Conciertos

Conciertos del parcial

Por: Luz Zarate Bernal

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Formas musicales del periodo clasico

Formas Musicales del periodo clásico

Luz Zarate Bernal

Sonata: Es una composición musical para uno o más instrumentos. Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una pieza musical completa, como un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento compositivo es conocido como forma sonata, el término sonata se utilizó con relativa libertad para describir obras reducidas de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces.


Cantata: es una composición vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio (Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri)


Ópera, drama en el cual se canta todo o parte del dialogo y que contiene oberturas, interludios y acompañamientos instrumentales. La palabra «opera» significa 'obras' en italiano (es el plural de la voz latina opus, obra o labor) sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico.

La ópera no iba a permanecer confinada a las audiencias cortesanas por mucho tiempo; sin embargo en 1637 la idea de una «temporada» (Carnaval) de óperas de «interés público», sostenida por la venta de boletos, surgió en Venecia. Monteverdi se había radicado allí, y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea, para el teatro veneciano en la década de 1640. Su principal seguidor, Francesco Cavalli, colaboró en la propagación de la ópera en Italia. En estas primeras óperas barrocas, la amplia comedia fue combinada con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, apareciendo el primero de varios movimientos reformistas de la ópera.

Ópera alemana: La primera ópera alemana fue Dafne, compuesta por Heinrich Schütz en 1627, cuya música se ha perdido. La ópera italiana continuó teniendo gran presencia e influencia sobre los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII.

Ópera francesa
Rivalizando con las producciones importadas de la ópera italiana, una tradición francesa aparte fue fundada por el italiano Jean-Baptiste Lully en la corte del Rey Luis XIV. Desafiando su origen extranjero, Lully estableció una Académie Royale de Musique (Academia Nacional de Música) y monopolizó la ópera francesa desde 1672. Comenzando con Cadmus et Hermione, Lully y su libretista Quinault crearon la “tragédie en musique”, una forma en la cual las música para danza y para coro fueron particularmente prominentes.

Concierto: composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta.

Fuente:

https://sites.google.com/site/adagioclasic/bienvenidos/la-musica-clasica-y-sus-formas-musicales
http://www.hagaselamusica.com.ar/img/galeria/img-115.jpg
https://youtu.be/maezrqgQVpE

Sonata Clasica

Sonata Clásica

Luz Zarate Bernal

Composición musical para uno o más instrumentos, el término sonata ha sido utilizado generalmente para las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista) o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado).

En los siglos XVI y XVII el término sonata, que aparecía con creciente frecuencia en los títulos de las obras instrumentales, significaba meramente pieza sonora instrumental distinguiéndose así de las composiciones vocales.

La sonata clásica: la forma más difundida de esta forma musical  es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o más instrumentos.

Durante el Clasicismo, los compositores hacen uso de formas musicales fijas, concretas y muy claras. Esto es lo que sucede con la forma sonata, la más extendida en esta época. Debes saber que “sonata” significa, en la etapa Clásica, dos cosas diferentes:

• FORMA SONATA: Forma musical ternaria que suele aparecer como primer movimiento (o primera parte) de gran número de obras musicales.

• SONATA: Pieza musical completa para uno o dos instrumentos formada por varios movimientos (varias partes); el primer movimiento casi siempre es una forma sonata.

EXPOSICIÓN


La forma sonata comienza con el primer tema (a) en la tonalidad principal (en la escala correspondiente -do, re, mi…). Esta primera melodía suele ser bastante rítmica para dar empuje a la pieza.

Terminado este primer tema, el compositor realiza lo que llamamos un “puente” (p) o enlace para conectar el primer tema (a) con el segundo (b). Este segundo tema tiene un carácter más melódico, y suele estar en otra tonalidad o escala diferente (normalmente a distancia de 5ª).

Cuando termina el segundo tema, la exposición se repite al completo.

DESARROLLO

El desarrollo es la parte más libre de la forma sonata. En esta sección el compositor utiliza las melodías que aparecen en los temas a y bcombinándolos, cambiándolos, recortándolos, mezclándolos, etc. para evolucionar hasta la siguiente sección. Las melodías suelen ir cambiando de tonalidad o escala todo el tiempo.

REEXPOSICIÓN

En ella se repite de nuevo toda la sección A, es decir, tema a – puente – tema b, con las siguientes diferencias:
No se repite dos veces
El tema b se interpreta, para terminar la pieza, en la tonalidad principal (en lugar de la secundaria).
Lo anterior provoca que suela haber una modificación en el puente.
Es muy habitual una CODA final, para dar mayor conclusividad.

Fuente:

http://www.monografias.com/trabajos/clasica/clasica.shtml
https://youtu.be/dGKzYv9Fz04

Concierto

Concierto

Luz Zarate Bernal

Un concierto es una actuación musical en que se ejecutan composiciones sueltas. En la música clásica occidental también es la forma musical en la que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza.

• Concierto clásico, romántico o virtuoso: Participan un instrumento solista, con gran capacidad expresiva y virtuosismo, que centra la atención del concierto
• Concierto en época moderna: Los conciertos de música popular, también llamados recitales, son una forma de presentar las nuevas bandas o las canciones de las bandas clásicas.

El concierto se había establecido en Italia a fines del siglo XVI, donde exponían diferentes tipos de instrumentales. Más tarde en el siglo XVII, los conciertos se extendieron hasta Lübeck, Alemania donde las veladas musicales continuaron hasta la década de 1620, extendiéndose de Alemania a Suiza. En Inglaterra ya existían numerosos conciertos a partir de 1640, organizados al principio en tabernas y habitaciones, donde se concretaban las sociedades musicales.

Los festivales de música son conciertos que involucran un mayor número de artistas, especialmente aquellos que duran varios días. A diferencia de otros conciertos, suele haber un solo género de la música o el trabajo de un artista en particular, los festivales suelen cubrir un amplio espectro de la música y las artes como por ejemplo los festivales al aire libre Debido a su tamaño.

Fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/Concierto

http://es.thefreedictionary.com/concierto
https://youtu.be/fGKnH5hW3hY

Familia Percuciones

Familia de Percusiones

Luz Zarate Bernal

La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usan para golpear algunos de los instrumentos de percusión.

• De altura definida: Afinados, producen notas identificables
• De altura indefinida:  No afinados, producen notas no identificables

En las orquestas se suele diferenciar entre:

• Percusión de parche
• Percusión de láminas
• Pequeña percusión

También se les divide entre membranófonos, que utilizan una membrana tensada o un poco suelta, micrófonos, que añaden timbre al sonido del golpe, idiófonos, que suenan por sí mismos, como el triángulo, placófono: placas metálicas que entrechocan.

Estos instrumentos son aquéllos que suenan cuando el intérprete los golpea con la mano, varillas, baquetas, etc. El timbal, el xilófono, el bombo y los timbales son ejemplos de instrumentos de percusión

Se trata de un conjunto de instrumentos en el cual el sonido proviene de su propia materia, sin necesidad de cuerdas o membranas

Fuente:
http://www.doslourdes.net/MUSla_familia_de_la_percusion.htm
http://www.bing.com/videos/search?q=familia+de+percusiones&&view=detail&mid=729FDE05496A380228D6729FDE05496A380228D6&FORM=VRDGAR

Musica Clasica

Música Clásica

Luz Zarate Bernal

Va aproximadamente del siglo XI a la actualidad, las principales características del género fueron codificadas principalmente entre 1550 y 1900

La música clásica se divide en:

• Música antigua o medieval, que abarca el período comprendido por la Baja Edad Media en Europa (1000-1400)
• La música renacentista (1400-1600)
• La música barroca, que coincide con desarrollo del arte barroco (1600-1750)
• El clasicismo (1750-1800)
• El Romanticismo (1800-1910)
• Y la música contemporánea, que comprende las distintas corrientes de música clásica del siglo XX

Debido tanto a sus características técnicas, a la creciente profesionalización de la profesión de músico y compositor, y al contexto socio-cultural en el que se desarrolla (bajo el patronazgo de aristocracia, iglesia y burguesía), la música clásica es habitualmente definida como la música de tradición culta

El término música clásica aparece por primera vez a principios del siglo XIX, en un intento para destacar el período como una edad dorada de la música. En la actualidad está asociado a la tradición de música culta y académica descrita arriba, y es a veces sustituido por música culta o música académica para incidir en la existencia de música de corte.

Características:

Estas melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho compases (divididas en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis (tres mas tres).Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía. Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión; El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento. La música clásica tendrá como ideal el crear algo puramente bello, es decir, una música que no sirva a ninguna finalidad fuera de si misma, la norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y sin problemas.

Quizá algo trillados pero son de mis dos interpretes favoritos de música clásica mas contemporáneos

Compositores por niveles:

• Richard Wagner (1813-1883)
• Giussepe Verdi (1813-1901)
• Johannes Brahms (1833-1897)
• Igor Stravinski (1882-1971
• Claude Debussy (1862-1918)
• Franz Peter Schubert (1797-1828)
• Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
• Ludwig van Beethoven (1770-1827)
• Johann Sebastian Bach (1685-1750)

 Johann Sebastian Bach

Fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_cl%C3%A1sica

https://sites.google.com/site/wqlamusicaclasica/caracteristicas
https://youtu.be/j30Jytow3dE
https://youtu.be/P6b_M12h9Ag

Formas musicales del barroco

Formas musicales del barroco

Luz Zarate Bernal

Cantata: Es una pieza musical escrita para una o mas voces solistas con acompañamiento musical, generalmente en ocasiones con un coro.

Cantatas religiosas

Las cantatas se crearon para ritos religiosos, tanto católicos (cantatas sacras) como protestantes. Esas cantatas tenían una parte oral muy consistente destinadas a ser cantadas por los feligreses. El gran maestro de la cantata religiosa fue Johann Sebastian Bach.

Cantatas profanas

En el Barroco también se cultivó la cantata profana o secular de origen italiano, que apareció como género en 1620 y que se consolidó a finales del siglo XVII. Alessandro Scarlatti compuso cantatas por medio de una sucesión de recitativos con tiempo rápido y arias da capo (que repetían el tema inicial en la última parte vocal, según la estructura A-B-A).

Entre los compositores que escribieron este tipo de obras destacan los italianos Alessandro Grandi, Barbara Strozzi, Alessandro Stradella, Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi y Giacomo Carissimi, y los alemanes Heinrich Schütz, Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Händel, Dietrich Buxtehude y Johann Sebastian Bach.

Sonata: Es el nombre dado a distintas formas musicales , empleadas desde el periodo barroco hasta las experiencias de música contemporánea. Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una pieza musical completa, como un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento compositivo es conocido como forma sonata.

La sonata clásica (1750 y 1810) la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, compuesta para uno, dos o tres instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.

Tocata: Es una pieza de música renacentista y música barroca para instrumentos de tecla, como el clave o el órgano, normalmente con una forma libre que en general enfatiza la destreza del intérprete, en Europa, toda iglesia solía tener un órgano para tocar en las pausas de la liturgia o tocar alternando con el canto. Estas melodías solían ser improvisaciones sobre las propias melodías gregorianas. Los organistas que tocaban en las iglesias practicaban con unos métodos de enseñanza para ejercitar la agilidad de sus dedos a través de escalas.

La tocata barroca es más seccional y tiene una mayor longitud, intensidad y virtuosismo que la renacentista, alcanzando niveles de extravagancia equivalentes a los abrumadores detalles vistos en la arquitectura de dicho período.

Bibliografía:
https://es.wikipedia.org/wiki/Tocata
https://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:G%C3%A9neros_y_formas_musicales_del_Barroco
https://youtu.be/NEKF08t3mW4
https://youtu.be/4Tr0otuiQuU
https://youtu.be/Pj-Zjt7GFTc

Familia de Instrumentos metales

Familia instrumentos metales

Luz Zarate Bernal

Los instrumentos de viento-metal son instrumentos musicales de viento compuestos por un tubo de metal (generalmente latón), que puede estar doblado o recto, una boquilla y una campana en el extremo opuesto a la boquilla.

Tienen sus orígenes en conductos sonoros fabricados en madera, bambú o caña que estaban provistos de una embocadura gruesa y abultada con un cuerpo de animal a modo de pabellón (que horrible).

Dentro de la familia de los instrumentos de viento metal existen dos grupos: los instrumentos de taladro cónico y los de taladro cilíndrico. En los primeros, el conducto del aire se ensancha gradualmente desde la embocadura hasta la campana. Estos instrumentos tienen sus antecesores en las caracolas marinas y los cuernos de los animales. Ejemplo de ellos es el shofár, un instrumento judío fabricado con el cuerno de un carnero y que aún es usado en las sinagogas.

La posición de los labios es fundamental a la hora de ejecutar una nota. Cuando la columna de aire atraviesa el tubo, produce una serie de notas llamada serie de armónicos naturales.

En los instrumentos de taladro cilíndrico, el conducto no se ensancha más que en el tudel del principio hasta unos centímetros antes de llegar a la campana y todos los tubos centrales que componen las bombas y los pasos entre los pistones son cilíndricos.

Debido a que el músico en un instrumento de viento-metal tiene el control directo sobre el vibrador principal (los labios), estos instrumentos pueden explotar la habilidad del músico para seleccionar el armónico al que la corriente de aire del instrumento vibra. Haciendo que el instrumento sea por lo menos el doble de largo que el equivalente en instrumentos de viento madera y empezando con el segundo armónico, los músicos pueden conseguir un rango de notas muy amplio simplemente variando la tensión de sus labios.

Fuente:
http://familiasdeinstrumentos.weebly.com/instrumentos-de-viento-metal.html
https://youtu.be/99OXnFXj-iU



Musica Barroca

Música Barroca

Luz Zarate Bernal

Abarca desde el nacimiento de la opera en el siglo XVII hasta la mitad del siglo XVIII, es una de las épocas musicales más largas e importantes de la música occidental, así como la más influyente.


Entre los músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bacch, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y Henry Purcell.


Principales características:

• La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). 
• La presencia obligatoria del bajo continuo
• El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo 
• El gusto por los fuertes contrastes sonoros

Estilos:

Francés: Es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza

Italiano: El estilo italiano, ejemplificado en Vivaldi, se caracterizaba por una tonalidad fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la melodía al servicio de la armonía, las frecuentes modulaciones, el rápido ritmo armónico, sus formas abiertas (de frases asimétricas) y el uso libre de la improvisación.

Estilo surgido en plena lucha entre la Reforma luterana y la Contrarreforma católica, la música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda por las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones (junto a algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de músicos profesionales. La música se vuelve indispensable para cualquier actividad, por lo que el músico pasa a ser un sirviente más de los que acompañaban a los nobles. Producto de estos fines es, como en otras artes de la época, una estética expresiva y teatralizante: profusión en el uso de la ornamentación, dramatismo, uso de recursos para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes sonoros...

El Barroco temprano (1600-1650)

Este período es conocido como el seicento: alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un compositor de inusual talento, Claudio Monteverdi. Fue un maestro de los dos géneros entonces preponderantes: la prima prattica o el polifónico género madrigal y la seconda prattica o recitativo de la música vocal solista. Compuso una de sus obras de Calahorra más famosas, el "Lamento d'Arianna", tanto en versión polifónica como en versión para solista y bajo continuo. Monteverdi y Antonio Vivaldi fueron los dos compositores estudiados más asiduamente por Johann Sebastian Bach.

La seconda prattica, un subgénero de monodia acompañada, esto es, una o varias voces solistas y bajo continuo, caracteriza la música de este período.


El Barroco medio (1650-1700)

El Barroco medio es el lapso comprendido entre 1650 y 1700; en él sobresalían el compositor inglés Henry Purcell (1659 - 1695) y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel (1653 - 1706).


El Barroco tardío (1700-1750)

El Barroco tardío va entre 1700 y 1750 (aproximadamente) y sus compositores característicos son: en España Domenico Scarlatti, en Italia Antonio Vivaldi, en Inglaterra Georg Friedrich Händel, en Alemania Johann Sebastian Bach y en Francia Jean Philippe Rameau.

Fuente:http://www.aprendemusica.es/Musicas/3_ESO/UD3_Barroco.Latinoamerica/BARROCO_exeL/Barroco/msica_barroca1.html

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Barroco

Amadeus

Amadeus

Luz Zarate Bernal

Data una historia alterna de Mozart y una rivalidad con un hombre que no tiene valides histórica, este hombre vuelto loco afirma que mato a Mozart, y aun que te lo presentan como su enemigo  puedes apreciar que este hombre ve en Mozart lo que el deseaba haber sido cuando a rogado por tanto tiempo con tener ese talento mientras ve a Mozart crecer y crecer y a el seguir estancado.

Ambos comparten una gran pación por la música, y nos muestran a un Mozart eufórico y algo loco en mi opinión, me pareció muy interesante aun que no siguiera una biografia como tal, mientras la película a avanza puedes ver como Mozart va perdiendo su euforia y undiendose en sus problemas y deudas.

El mundo de las matematicas

El pato Donald en el mundo de las matemáticas

Luz Zarate Bernal

El primer tema que abordan es la sección aurea y las matemáticas en la música de como se partió de este para comenzar a hacer acordes, y la estrella que utilizaban como clave que incluía dentro de si la sección aurea y como esta se encuentra también en monumentos, estatuas y diversas construcciones.

Y no solo en esto en la misma naturaleza  como las flores , caracoles y plantas, también se puede ver en el billar el como se juega y que no es para nada un juego de asar.

Ya había visto esta película pero fue refrescante repetirla y el hecho de como todo es matemática es algo perturbador e impresionante.

Farinelli

Farinelli

Luz Zarate Bernal

La historia data sobre un niño y su hermano este hermano que dependía de las voz del mas pequeño para componer su música y siendo consiente de que este al crecer perdería s tono soprano decida tras drogarlo y mentirle y permitir que se convirtiera en un castrato.

Este niño crece entre mentiras y tristeza desando en los profundo de su ser como su deseo mas añorada el de convertirse en padre sin poder jamás lograrlo.

Su voz es primorosa y muy hermosa pero al mismo tiempo muy criticada y señalada de aberración a demás de que no se le va a este hombre una sola sonrisa o muestra de felicidad.

El conoce a una mujer con la se queda al final aun que el hijo que esta le dará no es exactamente de él.

Puedes apreciar la cultura y época de los castratos, y comprender que a el músico le pagaba el clero y las personas adineradas, los tomaban como si fuesen objetos.

Bajo Cifrado

Bajo Cifrado

Para Luz Zarate Bernal

A diferencia de el bajo continuo el bajo cifrado no es improvisado pero tienen cifrados similares, este  se origino en el barroco. ya que era costumbre de los compositores barrocos escribir la línea melódica del bajo, originado en el Barroco, a partir de un género y estilo musical determinado: el bajo continuo. Consiste en un sistema de representación mixto en que bajo una línea convencional de bajo se escriben cifras que representan los acordes que deben realizarse simultáneamente con dicha línea grave. Es decir, es un lenguaje de abreviaturas armónicas. La realización exacta de melodías intermedias proporcionadas por dichos acordes apuntados, se dejaba a la ejecución o inspiración del instrumentista (en muchas ocasiones, el director de la orquesta, al clave; o el maestro de capilla, al órgano).

Hay acordes también especiales para sobre tónica, donde el compositor crea la voz de bajo pero no especifica el contrapunto o los acordes  que deja a cargo del intérprete o interpretes.

En el periodo barroco, cuando tiene su florecimiento, y debido al propio estilo del bajo continuo, y su búsqueda de claridad y sencillez, se va logrando un hábil y efectivo esquematismo que elimina datos innecesarios (y aclara el camino para la posterior síntesis de la teoría).

Esta abreviatura acórdica se vio desde el primer momento favorecida por la enorme frecuencia de los acordes perfectos en ese momento histórico, lo que hizo posible presuponerlos cuando no hubiera cifra alguna, y originar así un sistema desarrollado de simplificaciones (estenográfico) de enorme concisión y eficacia, a la hora de esquematizar una armonía.

A partir del grado definido por el bajo (expresado por el pentagrama de la voz real), debajo de algunas o de todas las notas se escriben pequeños números (cifras) que indican los intervalos que forman las voces superiores con la nota del bajo, simultáneamente (por ejemplo, do-mi-sol se expresa con un 3 y un 5 debajo de la nota do en el bajo; do-mi-la, con un 3 y un 6;do-fa-la, con un 4 y un 6,etc.)

Fuente:

http://musica.fakiro.com/diccionario/bajo-cifrado.html

https://www.teoria.com/es/referencia/c/cif-barroco.php

Bajo continuo

Bajo Continuo

Por Luz Zarate Bernal

En el barroco y el renacimiento se necesitaba quien dirigiera al grupo de músicos, ya que no existía el director de orquesta se utilizó  el bajo continuo, este marcaba la rítmica para guiar a los demás instrumentos.

Puede ser interpretado por varios instrumentos como el teclado o el arpa e incluso también podía llegar a ser interpretada con la voz.

En el medievo era acompañado por un órgano de forma improvisada, un ejemplo de quien llego a utilizar esto fue Vivaldi

También se aplico en coros de cámara y orquestas.

Es una técnica de composición y ejecución propia y esencial del período barroco, que por ello suele ser denominado época del bajo continuo. Al emplear esta técnica, el compositor crea la voz de bajo pero no especifica el contrapunto o los acordes del ripieno, que deja a cargo del o los intérpretes. El bajo continuo puede contener ‘‘cifras‘‘ para guiar al ejecutante.

El bajo continuo tuvo su origen en ciertos métodos puestos en práctica en el siglo XVI, cuando algunas composiciones corales (como los motetes) eran acompañadas por el órgano a través de una técnica que consistía en improvisar los acordes que mejor se avenían a la armonía del conjunto.

Esta técnica llegó a su pleno desarrollo en los dos siglos siguientes y es característica del barroco, donde fue utilizado por los principales compositores como Bach, Händel o Vivaldi.

En la partitura del bajo, por ejemplo, el que toca el clave, solo aparece la línea del bajo (la que esta en clave de fa), mientras que con la ayuda de los números, el intérprete improvisa los acordes de arriba (recuerda que un acorde es la superposición de varias notas).

Fuente:

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ee/BuxWV_15-Bass_run.jpg/700px-BuxWV_15-Bass_run.jpg

Familia instrumentos de madera

Familia instrumentos de Madera

Por Luz Zarate Bernal

Actualmente los que antes eran instrumentos de madera actualmente son de metal, principalmente estas instrumentos de madera son instrumentos de viento.

Están las flautas abiertas y sin conductos

También se encuentra en los instrumentos de cuerda pero es mas mencionado en los de viento

La ventaja de la madera al producir un instrumentos ya que esta tiene cierta flexibilidad y maleabilidad incluso se ha llegado a utilizar en montañas rusas.

Las flautas producen sonido por una corriente de aire dirigida directamente a través del borde de un agujero en un tubo cilíndrico.

En flautas abiertas o sin conducto, como la flauta travesera o la flauta de pan, el músico sopla a través de un borde afilado que divide la corriente de aire. Esta división actúa sobre el aire contenido en la flauta causando que vibre y produzca el sonido.

En las flautas cerradas o con conducto, como la flauta dulce, el músico sopla a través de un conducto que actúa como canal para llevar el aire a un borde afilado, que como en las flautas abiertas causa que el aire se divida para producir el sonido.

Los instrumentos de viento- madera se dividen en:

Flauta traversa

Flautín

Flauta de Pan

Bansuri

Quena

Fuente:

http://www.banrepcultural.org/node/78513

https://es.wikipedia.org/wiki/Instrumento_de_viento-madera

Musica medieval

Música Medieval

Por Luz Zarate Bernal

La música Medieval parte de el canto gregoriano o canto llano, música de iglesia cantada solo por hombres en respuesta a salmos, sin un ritmo predeterminado ni acompañamiento musical.

Después le sigue la música profana creada en ambientes aristocráticos los autores de esta son llamados trovadores y es semejante al canto gregoriano.

La polifonía esta escrita a varias voces surge en la Baja Edad media y es una evolución de las dos anteriores.

El canto llano o monodia religiosa, popularmente denominado canto gregoriano. Es con gran diferencia el repertorio medieval más antiguo y extenso, e incluye la gran mayoría de música litúrgica cristiana de la época que se conserva. Es música estrictamente vocal, de ritmo libre, texto latino y escrita a una sola voz.

La música profana o música de trovadores. De escritura también monódica y vocal, fue creada en ambientes aristocráticos y con textos en lengua vernácula; sus autores son llamados trovadores (si escribían enlangue d'oc o provenzal), troveros (en langue d'oïl o francés antiguo) o Minnesänger (en alemán). Su temática suele ser amorosa y, aunque su escritura es semejante a la del canto gregoriano, era interpretada con acompañamiento instrumental y compás definido.

La polifonía, música escrita a varias voces y que surge por evolución de las anteriores durante la Baja Edad Media, primero en el ámbito religioso y posteriormente también en el profano.

Fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_de_la_Edad_Media

https://youtu.be/IgsxbNX0yZg

Cantos gregorianos

Cantos Gregorianos

Por Luz Zarate Bernal

Los cantos gregorianos son cantados principalmente en latín, solo podía ser cantado por hombres ya que las mujeres no podían participar, es de aquí que partió el termino "castrato" donde antes de que cambie la voz de los niños se les cortan los testículos manteniendo un soprano.

Estos cantos eran originarios de la iglesia, que consistían en salmos divididos en distintas maneras, no solían llevar un pentagrama y se enseñaba de voz a voz o por tetragrama

 Puede considerarse también un sinónimo de canto llano, no tienen un ritmo establecido y no lleva acompañamiento musical.

Los propios están constituidos por piezas que se cantan según el tiempo litúrgico o según la fiesta que se celebra. Estos cambian cada domingo, lo opuesto a los cantos del Ordinario, cuyos textos nunca cambian.

• Introito: canto de entrada
• Gradual, aleluya o tracto: después de las lecturas
• Secuencias
• Ofertorio para acompañar la procesión de las ofrendas
• Comunión

Además de estos dos grupos de piezas, existen otras que se cantan como recitativos con algunas inflexiones (cantillatio): tales son las oraciones, las lecturas, el prefacio y la oración eucarística, el Padre nuestro. Eran piezas que por su sencillez podían ser ejecutadas por el celebrante o por personas que no requerían de especiales habilidades para el canto.

El repertorio de cantos para el oficio divino consta de:

• El canto de los salmos
• Simples recitativos de lecturas y oraciones.
• Antífonas de invitatorio
• Himnos
• Antífonas cantadas antes y después de los salmos.
• Responsorios
• Te Deum
• Cantos del antiguo y del nuevo Testamento

Una diferencia básica está en la letra. Los cantos del ordinario siempre tienen la misma letra mientras que en los cantos del propio la letra varía y también puede cambiar la música. Todo esto depende de la fiesta que se celebre y del calendario litúrgico. A partir del siglo X se realizan reformas sobre el repertorio del canto gregoriano, tanto cambios que aparecen de forma espontánea como cambios o ajustes que se realizan de una forma totalmente dirigida. Pueden encontrarse tres manifestaciones: el tropo, la secuencia y el drama litúrgico.

Fuentes:

http://www.enciclopediacecilia.org/wiki/Canto_gregoriano

https://youtu.be/vArNf76XxYo