boletos

Orquesta romantica

Orquesta romántica

Luz Zarate Bernal

Destaca en esta época el perfeccionamiento técnico de las válvulas y mecanismos de los instrumentos de viento metal, que mejoraron su flexibilidad, especialmente en el registro agudo, cobrando un nuevo protagonismo.

El trombón se establece como integrante de la orquesta. También se refuerzan los graves con los nuevos prototipos de tubas. Se añade también el arpa, así como el piccolo, el clarinete bajo, el corno inglés, el contrafagot, la celesta. El piano aparece ocasionalmente como miembro de la orquesta, no únicamente como solista.

La percusión es la sección que más tardará en tomar su forma definitiva, utilizándose instrumentos como las castañuelas y los platos para conseguir diversos efectos sonoros.
El papel de director se independiza definitivamente del primer violín, llegando finalmente a ser considerado un artista por derecho propio, un intérprete cuyo instrumento es la orquesta.

Al igual que Mozart, Mendelssohn escribió la música programada en este concierto a la edad de 16 años, en 1825, un año antes de su famosa obertura de concierto El sueño de una noche de verano. De hecho, ambas son las obras más famosas de su adolescencia.

La orquesta experimenta un gran desarrollo, sobre todo gracias a los avances de Hector Berlioz y Richard Wagner. El número de instrumentistas sigue aumentando hasta el siglo XX, lo que obliga a incluir más cuerdas, maderas y percusión, para conseguir un equilibrio tímbrico.  Berlioz, por ejemplo, llegó a componer obras para ser interpretadas por más de 500 músicos.

Fuentes:

http://www.march.es/musica/jovenes/todos-tocan-juntos/romantica.asp

Concierto

Concierto

Luz Zarate Bernal

Un concierto es una actuación musical en que se ejecutan composiciones sueltas
En el ámbito de la música clásica occidental también es la forma musical en la que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza. Designa la forma de relacionarse las diversas voces que intervienen en una pieza musical, entendiendo como voces diversas líneas melódicas simultáneas, sean vocales o instrumentales.


Aunque no se conozca un origen exacto, las actuaciones de malabaristas en la Edad Media, con intervenciones instrumentales y vocales pueden prefigurar lo que sería un concierto. Pero tal parece que el concierto se había establecido en Italia a fines del siglo XVI, donde exponían diferentes tipos de instrumentales. Más tarde en el siglo XVII, los conciertos se extendieron hasta Lübeck, Alemania donde las veladas musicales continuaron hasta la década de 1620, extendiéndose de Alemania a Suiza. En Inglaterra ya existían numerosos conciertos a partir de 1640, organizados al principio en tabernas y habitaciones, donde se concretaban las sociedades musicales.

Concierto clásico, romántico o virtuoso

Participan un instrumento solista, con gran capacidad expresiva y virtuosismo, que centra la atención del concierto. La orquesta suele tener una finalidad acompañante. En este periodo hay más libertad en la forma, por lo que es habitual que se altere el orden y la cantidad de los movimientos, un ejemplo claro es la orquesta sinfónica y la ópera.

Concierto en época moderna

Los conciertos de música popular, también llamados recitales, son una forma de presentar las nuevas bandas o las canciones de las bandas clásicas. Generalmente se hace una presentación de teloneros y posteriormente la banda principal.

Enlace a un video:

http://www.rtve.es/alacarta/videos/los-conciertos-de-la-2/concierto-navidad-251214-1230-169/2927342/

Fuente:
https://es.wikipedia.org/wiki/Concierto
http://www.rtve.es/alacarta/videos/los-conciertos-de-la-2/concierto-navidad-251214-1230-169/2927342/

Compositores neoclasicos

Compositores neoclásico

Luz Zarate Bernal

Los principales exponentes de la arquitectura neoclásica son entre muchísimos otros:

J. Gabriel Soufflot

Peyre

Fontayne

Del Cagnola

La siguiente fase del período composicional de Stravinski, solapando al primero ligeramente, es marcado por dos trabajos:


Pulcinella (1920) y Octeto (1923) para instrumentos de viento. Ambos trabajos ofrecen lo que será un sello de este período; es decir, el retorno de Stravinski, o "vuelta atrás" a la música clásica de Mozart, Bach y sus contemporáneos. Este estilo "neoclásico", que de hecho nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del romanticismo y el expresionismo germánico, involucró el abandono de las grandes orquestas exigido por los ballets.

En estas nuevas obras, escritas aproximadamente entre 1920 y 1950, Stravinski se vuelca mayoritariamente a los instrumentos de viento, piano, coros y trabajos de cámara. La Sinfonía de Instrumentos de Viento (1920) y la Sinfonía de los Salmos están entre los trabajos más finos compuestos para vientos. Otros trabajos como Oedipus Rex (1927), Apolo musageta (Apollon Musagétte) (1928) y el Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks) (1931), continúan esta tendencia.

Algunos trabajos mayores de este período son las tres sinfonías: la Sinfonía de los Salmos (Symphonie des Psaumes) (1930), Sinfonía en Do (1940) y Sinfonía en Tres Movimientos (1945). Apolo, Perséfone (1933) y Orfeo (1947) también marcan la preocupación de Stravinski, durante este período, no sólo de volver a la música "Clásica" sino también a los temas "Clásicos", en estos casos, la mitología de los antiguos griegos.

Juan Meléndez Valdés :

Este hombre nació en el año 1754 en Ribera del Fresno, Badajoz. Es un Poeta y político español. Colaboró con el gobierno de José Bonaparte (Rey de España), por lo que se tuvo que exiliar a Francia tras la guerra de la Independencia.

José Iglesias de la Casa

Nació en Salamanca en el año 1748, es un poeta español perteneciente al grupo literario formado por fray Diego T. González, Jovellanos y Meléndez Valdés. 

Tomás de Iriarte

Nació en La Orotava, municipio español al norte de la provincia de Santa Cruz de Tenerife, Canarias, en 1750.


Félix María Samaniego

Nació en La guardia (Álava) en 1745 y murió en el mismo pueblo en 1801. Estudió en Valladolid y viajó por Francia, cuya influencia se advierte en la única obra por la que lo conocemos: las Fábulas morales, 157 fábulas distribuidas en 9 libros, escritas para los alumnos del seminario de Vergara

  José Cadalso

Nació en el año 1741 fue un literario y militar español.
Perteneciente a los Jovellanos.


Fray Diego Tadeo González

Nació en Ciudad Rodrigo, en el año de 1733, fue un poeta español,
A Fray Luis le debemos su poesía religiosa, singularmente sus traducciones de los Salmos XI y X y del Magníficat.

Fuente:

http://es.wikipedia.org/wiki/Neoclasicis...
http://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Hindem...

http://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_Hone...

http://es.wikipedia.org/wiki/Darius_Milhaud

http://es.wikipedia.org/wiki/Alfredo_Casella

http://es.wikipedia.org/wiki/Gian_Francesco_Malipiero

http://es.wikipedia.org/wiki/Francis_Poulenc

<< La música es el verdadero lenguaje universal.>> Carl Maria von Weber (1786-1826) Compositor alemán.  

Periodo neoclasico

Periodo neoclásico

Luz Zarate Bernal

El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma negativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes, los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor al Romanticismo

La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral. La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres.

Según la musicología actual, el término "música clásica" se refiere únicamente a la llamada música del Clasicismo (1750-1827) aprox., coincidente con el período neoclásico), inspirada en los cánones estéticos grecorromanos de equilibrio en la forma y moderación en la dinámica y la armonía.

La Ilustración fue un movimiento intelectual que provocó que el siglo XVIII fuera conocido como el Siglo de las Luces. El culto a la razón promovido por los filósofos ilustrados conllevó un rechazo del dogma religioso, que fue considerado origen de la intolerancia, y una concepción de Dios que pasaba de regir el mundo mediante las leyes naturales a desaparecer en concepciones ateas del universo. Los ilustrados promovieron la investigación de la naturaleza, el desarrollo científico-técnico, la educación y la difusión general de todo tipo de conocimientos; fueron los tiempos de L'Encyclopédie. El arte se hizo así más accesible y con menos pretensiones, y la literatura se dirigió a un público más amplio, planteándose como un instrumento social. El aumento del número de lectores, especialmente entre la burguesía, plantea la figura del escritor como un profesional, y la escritura como su fuente principal o secundaria de sustento.

El arte neoclásico llega motivado por la nueva atracción que despierta el mundo clásico, el interés surgido por la arqueología, las excavaciones de Herculano y Pompeya y el rechazo hacia las formas del barroco.

Fuentes.

https://es.wikipedia.org/wiki/Neoclasicismo

http://es.slideshare.net/andreasalcedo79230/periodo-neoclsico-en-mxico-33021864

http://www.arteguias.com/neoclasico.htm

Orquesta sinfonica

Orquesta sinfónica

Luz Zarate Bernal

La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene, generalmente, más de ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser ejecutada.


El término «orquesta» se deriva de un término latino que se usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa ‘lugar para bailar

Dos ciudades fueron los principales centros de producción musical, catalizadores y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta: Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart.

En su origen histórico una orquesta filarmónica era una asociación musical que estaba formada por aficionados a la música y no era preciso que fueran músicos. Este sentido ya ha desaparecido y en la actualidad orquesta filarmónica es equivalente a orquesta sinfónica.

Fuente:

http://www.definicionabc.com/audio/orquesta-filarmonica.php

Poema sinfonico

Poema sinfónico

Luz Zarate Bernal

Un poema sinfónico es una obra de origen extra musical, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical como tal en términos técnicos.

El término fue aplicado por primera vez por Franz Liszt que escribió trece composiciones de este género. La música descriptiva fue sin duda el mejor camino para transmitir obras literarias, ya fueran de carácter religioso, épico, heroico, fantástico, etc. pero será con el poema sinfónico donde ésta encuentre su más fuerte forma de expresión.


Un poema sinfónico puede ser una obra en sí misma, o formar parte de un ciclo de poemas sinfónicos a modo de suite. Un ejemplo de esto es Má vlast (Mi patria) de Bedřich Smetana, formado por seis poemas sinfónicos.

El nacionalismo romántico hizo acopio del poema sinfónico para desarrollar sus ideas nacionalistas. Floreció profusamente en Bohemia y en Rusia. Ejemplos los contemplamos en obras como Mi patria de Smetana y Kamarinskaya de Glinka.

Dos compositores destacados en la composición de poemas sinfónicos son Berlioz y R.Strauss. Del primero podemos destacar: Harold en Italia y Romeo y Julieta. Del segundo, Till Eulenspiegel, Don Juan, Vida de héroe y Muerte y Transfiguración.

Hay que aclarar que, aunque el poema sinfónico esté programado para describir ciertas situaciones poéticas y dramáticas, esto no quiere decir que su estructura sea totalmente libre. Hay innumerables ejemplos de poemas sinfónicos compuestos bajo la forma rondó, y muchos de ellos bajo el nombre de sinfonía. En todo caso, el compositor estructura la forma del poema sinfónico de la mejor manera para expresar su contenido sentimental



Enlace a poema sinfónico:

https://youtu.be/JQVAgULaW_U?list=PLUZDtu9emVmcvysaSiZErPJZKy9LW_1UT


Fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/Poema_sinf%C3%B3nico

Compositores impresionistas

Compositores impresionistas

Luz Zarate Bernal

René Amengual Astaburuaga (Santiago de Chile, 2 de septiembre de 1911 - 2 de agosto de 1954) fue un pianista, profesor y compositor chileno, autor del himno de la Universidad de Chile.



André Caplet (Le Havre, 23 de noviembre de 1878 - Neuilly-sur-Seine, 22 de abril de 1925). Compositor y director de orquesta francés, fue una figura importante en la vida musical de principios del siglo XX. Amigo y colaborador de Debussy, y con un fuerte sentimiento religioso, compuso obras principalmente para la voz.

Achille-Claude Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862-París, 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés y una figura central en la música europea de finales del siglo xix


Frederick Delius, CH (29 de enero de 1862 - 10 de junio de 1934)[ fue un compositor nacido en Bradford en West Yorkshire, en el Norte de Inglaterra.


Paul Abraham Dukas (París, 1 de octubre de 1865-ibídem, 17 de mayo de 1935) fue un compositor francés de la escuela impresionista. Una de sus obras más populares fue El aprendiz de brujo.


Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875-París, 28 de diciembre de 1937) fue un compositor francés del siglo XX

Alexis Roland-Manuel (de nacimiento: Roland Alexis Manuel Levy, 22 de marzo de 1891 - 1 de noviembre de 1966) fue un compositor francés, musicólogo y crítico musical.


Albert Charles Paul Marie Roussel (Tourcoing, 5 de abril de 1869 - Royan, 23 de agosto de 1937 fue un compositor francés, que junto a Jean Cras y Antoine Mariotte, formó parte de la trilogía de compositores-marinos franceses.

Florent Schmitt (28 de septiembre de 1870, Blamont, Meurthe y Mosela - 17 de agosto de 1958, Neuilly-sur-Seine) fue un compositor francés.

Fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9_Caplet

https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Debussy

https://es.wikipedia.org/wiki/Frederick_Delius

https://es.wikipedia.org/wiki/Paul_Dukas

https://es.wikipedia.org/wiki/Maurice_Ravel

Impresionismo

Periodo impresionista

Luz Zarate Bernal

La música impresionista es la tendencia musical que surgió en Francia a finales del siglo XIX. El nombre Impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de los años 1860 - 1870, ya que las características de ambas artes eran muy similares. Los dos únicos autores a los que podemos llamar impresionistas en aquella época son Claude Debussy y Déodat de Séverac, aunque este último no está tan reconocido como gran parte de autores posteriores. Sin embargo, Claude Debussy es el autor impresionista más notorio, junto con los también franceses Maurice Ravel y Erik Satie.

Impresionismo, tanto en música como en otras artes, surge a partir de la idea de expresar las ideas de una manera en cierto modo insinuada. De cerca se ven manchas y de lejos crea una figura por decirlo así. Por ejemplo, En la primera fotografía, se puede observar el Parlamento británico retratado de un modo en el que apenas se puede intuir su forma.




Aspectos de la música del impresionismo

Syrinx de Claude Debussy

Un tempo más libre, y con capacidad de un rubato a gusto del intérprete (siempre respetando las indicaciones del autor).
Utilización de los modos, introduciendo numerosas variaciones de cada uno, e incluso inventándolos (como en la obra Syrinx para solo de flauta, de Claude Debussy). No sólo se utilizan modos clásicos, ya que también es muy frecuente encontrar escalas propias de diferentes etnias (Como en el tercer movimiento de Ma mère l'oye de Maurice Ravel, Laideronnette, l'impératrice des Pagodes).
Experimentar con el timbre, convirtiendo a este en el factor más importante de la música impresionista. De esta manera, se conseguían efectos nunca vistos antes en la música. El preludio de Claude Debussy La Cathédrale Engloutie es un claro ejemplo de los diferentes timbres y sensaciones que pueden escucharse en una misma obra, interpretado aquí por Maurizio Pollini.

Fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo_musical

Orquesta de camara

Orquesta de cámara

Luz Zarate Bernal

El término orquesta de cámara abarca todo tipo de conjuntos instrumentales, con la única condición de poseer tal tipo de orquesta un tamaño pequeño. Al igual que con la música de cámara, el complemento de «cámara» se refiere al salón en la que se desarrollaban (en su origen los salones de música de los palacios y grandes residencias del siglo XVII). Desde entonces significa «orquesta reducida que cabe en un salón». No tiene una formación concreta de instrumentos.

Orquesta barroca: conjunto de instrumentos de cuerdas frotadas más o menos estándar y reducido número, con intervenciones ocasionales de otros instrumentos, en especial como solistas.

Conjuntos instrumentales indefinidos para música de cámara, como los necesarios para los Divertimentos de Mozart, el Septimito de Beethoven, y obras semejantes que emplean conjuntos reducidos y no estandarizados.

Conjuntos contemporáneos que, aunque ya no son "para el salón", tienen una formación instrumental reducida o poco común. Así para obras de Ígor Stravinski

Orquesta de Cuerdas: Integrada por violines, violas, violonchelos y contrabajos, más clave o piano. Tal como en el período barroco y que interpreta muchas obras del período barroco, clásico, romántico, moderno y arreglos de mucha música popular. En la actualidad muchas orquestas de cámara tienen fama e interpretan obras de todo tipo.

De acuerdo con el número de instrumentos que los forman, los conjuntos de cámara reciben los nombres de : dúo, trio, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto, octeto y noneto.
Si se trata de un conjunto de pequeño tamaño, que consta de mas de nueve instrumentistas, se habla de una orquesta de cámara, en este caso los instrumentos que la integran son principalmente de cuerda, aunque es frecuente que entren a formar parte de ella algunos instrumentos de viento.

Fuente:

http://laorquestadecamara.blogspot.mx/2010/11/la-orquesta-de-camara.html

http://www.ehowenespanol.com/instrumentos-contiene-orquesta-camara-sobre_147927/

Compositores

Compositores

Luz Zarate

Bedřich Smetana (1824-84)

Smetana fue el primer gran compositor nacionalista checo, un bohemio. Su primer trabajo nacionalista fue escrito en 1863, en checo, como entrada de la competencia al teatro provisional. Él aprendió a leer y a escribir en checo para incorporarse a la competición. Esta ópera, Branibori v Cechach (el Brandenburgs en Bohemia) tiene un argumento histórico y nacionalista, pero en su música no hay representación de la temática folclórica.

Antonín Dvořák (Nelahozeves, 1841 - Praga, 1904)

Dvořák fue el más exitoso de los compositores nacionalistas checos. Dvořák incluyó temas y elementos bohemios en su música. En 1871, él salió del teatro provisional y comenzó a fijar un libretto de un escritor checo


Leoš Janáček (1854-1928)

Janáček realizó trabajos de investigación y de catalogación de la música tradicional de Moravia. Su trabajo inspiró investigación adicional. Debido a su interés en música tradicional, él estaba predispuesto a la modalidad


Polonia

Frédéric Chopin (1810-1849)

Fue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach, Franz Liszt y Ludwig van Beethoven


Stanisław Moniuszko (1819-1872)

Fue otro compositor y virtuoso pianista polaco. Fue el creador de la ópera polaca, con Halka (1848), que se estrenó en Varsovia en 1858.


Hungría
Béla Bartók

Fue un famoso compositor húngaro (1881-1945) arranca del nacionalismo para llegar en sus últimas creaciones a la abstracción musical. Recogió en sus obras ritmos exóticos y desconocidos, así como escalas primitivas como la pentatónica (de cinco tonos).


Zoltán Kodály

Compositor húngaro (1882-1967) se formó en el conservatorio de Budapest y en París. Junto con Béla Bartók investigó el folclore de Hungría y de otros países limítrofes, recogiendo miles de melodías que permitieron un conocimiento profundo de su verdadera esencia musical. Se dedicó a la pedagogía, escribiendo un interesante sistema para la enseñanza de la música.


Noruega
Edward Grieg (1843-1907)

Edward Grieg comenzó a componer música nacional después de visitar Ole Bull, un violinista e investigador de la música tradicional.


Finlandia
Jean Sibelius (1865-1957)

Jean Sibelius tenía sensaciones patrióticas fuertes para Finlandia. Él eligió escribir música programática. Jean basaba sus trabajos en la música tradicional finlandesa. Por sus contribuciones, el gobierno le concedió una pensión.


España
Isaac Albéniz (1860-1909)

Albéniz estudió en muchos de los conservatorios más importantes de Europa, incluyendo la Escuela Nacional de Música y Declamación en España. Muchos de sus trabajos del piano reflejan su herencia española, incluyendo «Iberia» (1906-1909).


Enrique Granados (1867–1916)

Granados compuso las zarzuelas, un tipo de teatro musical español. Él compuso su obra «Goyescas» (1911) basada en «los grabados» del pintor español «Goya».

Joaquín Turina (1882-1949)

Otro compositor del romanticismo tardío en España fue Joaquín Turina, sevillano que nació en 1882 y murió en 1949. Sus obras más destacables son «Danzas Fantásticas» y «La Procesión del Rocío».


Manuel de Falla (1876-1946)

Fue un compositor de gran repercusión internacional. Discípulo de Felipe Pedrell, sus obras impregnan el carácter nacional (en muchas ocasiones andaluz) con casi todos los movimientos de vanguardia europea



Mexico


Manuel M.Ponce (1882-1948)

Manuel María Ponce Cuéllar nació en Fresnillo, Zacatecas, aunque vivió su infancia en la ciudad de Aguascalientes.Compositor controvertido, se dedicó a crear una obra musical basada en temas del folclore mexicano, combinándolos con el estilo romántico europeo de su época.

Carlos Chávez (1899-1978)

Carlos Chávez nació en Popotla cercanías de la Ciudad de México, 13 de junio de 1899, fue un compositor, director de orquesta, profesor y periodista mexicano. Su música estuvo influenciada por la culturas nativas de México.


José Pablo Moncayo (1912-1958)

José Pablo Moncayo nació en Guadalajara, Jalisco, México, el 29 de junio de 1912.

Estudia en el Conservatorio Nacional de Música en 1929 ahí fue discípulo de Carlos Chávez y Candelario Huízar.


Silvestre Revueltas (1899-1940)

Silvestre Revueltas nació en Santiago Papasquiaro, Durango 31 de diciembre de 1899, fue un destacado compositor de la primera mitad del siglo XX de música sinfónica, violinista y director de orquesta mexicano.


Salvador Contreras Sánchez (1910-1982)

José Avelino Salvador Contreras Sánchez nació en Cuerámaro, Guanajuato, el 10 de noviembre de 1910; aunque, por razones desconocidas, el mismo Contreras muchas veces sostuvo que había sido en el 1912.


Chile
Pedro Humberto Allende Sarón (1885 - 1959)

Uno de los más importantes compositores chilenos y que obtuvo el primer Premio Nacional de Arte mención música, en 1945.


Venezuela[
Antonio Estévez (1916 - 1988)

Destacado compositor y director de orquesta. Inició su formación musical en Caracas e ingresó como miembro en la Banda Marcial de esta ciudad, así como en la Orquesta Sinfónica Venezuela.



Reino Unido


Joseph Parry (1841-1903)

Nace en Gales, pero se traslada a Estados Unidos mientras es niño. Al hacerse adulto, viaje entre Gales y América, e interpreta en recitales canciones y «glees» galesas con textos galeses. Compuso la primera ópera, Never say never en 1878.

Charles Villiers Stanford (1852-1924)

Elementos irlandeses e ingleses incorporados por Stanford en su música, incluyendo cinco rapsodias irlandesas (1901-1914). Publicó varios volúmenes de arreglos de canciones populares irlandesas, y su tercera sinfonía se titula «la sinfonía irlandesa».

Alexander Mackenzie (1847-1935)

Los arreglos preparados y publicados de Mackenzie de canciones populares escocesas, y muchas de sus composiciones contienen elementos populares. Se incluyen en éstos su balada de la montaña para el violín y la orquesta (1893), y el Concierto escocés para piano y la orquesta (1897). Él también compuso la rapsodia canadiense.


Estados Unidos

Charles Cadman (1881-1946)

Tiempo dedicado Cadman a las reservaciones indias de Omaha y de Winnebago y registrado sus canciones. Él arregló y publicó a algunos de ellos. Cadman presentó una serie de decretos con la princesa Tsianina Redfeather, mezzo-soprano de Omaha, y compuso una ópera, Shanewis o el Robin Woman (1918), basada en su vida.

Arthur Farwell (1872-1952)

Farwell trabajó con música americana nativa, pero también estudió canciones populares americanas, anglo-americanas y africanas, así como música mexicana y vaquera. Él fundó la prensa Wa-Wan para publicar su Melodía «india americana» (1900) y los trabajos de otros compositores contemporáneos.

Fuente:
https://es.wikipedia.org/wiki/Nacionalismo_musical
http://hagaselamusica.com/ficha-compositores/nacionalismo/

Periodo nacionalist

Periodo nacionalista

El Nacionalismo en música se refiere al uso de materiales que son reconocibles como nacionales o regionales. Por ejemplo, el uso directo de la música folclórica, y el uso de melodías, ritmos y armonías inspirados por la misma. El nacionalismo también incluye el uso del folclore como base conceptual, estética e ideológica de obras programáticas u óperas.


Relacionado al romanticismo musical de mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX. e da un fenómeno nuevo en el panorama musical europeo consistente en la incorporación de generaciones musicales pertenecientes a países que hasta entonces habían estado generalmente al margen de la evolución musical, no tanto porque no se haya cultivado en ellos la música como por haberla importado en detrimento de la producción propia.
El liderazgo musical hasta mediados del siglo XIX había sido ejercido por las grandes potencias de Francia, Italia, Alemania y Austria. Los demás países, con la excepción de algunos destellos en España e Inglaterra, no habían tenido la oportunidad de desarrollar un arte propio. Su vida musical, si existe, se reduce a importar ópera italiana y sinfonismo alemán.


Es en estos países donde primero se manifiestan los brotes nacionalistas. Sus músicos, formados en el conservatorio de Leipzig por Mendelssohn, Liszt, Chopin y Wagner, son los que primero sienten la necesidad de reafirmar el derecho a expresar sus propios valores nacionales. Casi todos ellos sentirán predilección por la canción popular, el canto coral, por la música de cámara y las pequeñas formas.


El nacionalismo adquirirá verdadera importancia en las naciones periféricas de Europa: Bohemia, Hungría, Rumania, Rusia y los países escandinavos de Suecia, Noruega, Finlandia y Dinamarca. Con el nacionalismo estos países tuvieron la oportunidad de figurar en la historia de la música al lado de las viejas culturas de Italia, Alemania, Francia y España.


Las escuelas nacionalistas surgidas en el siglo XIX prosiguen en el siglo XX su camino de adentramiento en el folklore de sus respectivos pueblos. En el siglo XX dichos valores nacionales se convertirán en la cantera de la que los compositores extraerán los materiales musicales en los que se basarán para proceder a una renovación profunda de los lenguajes musicales.

Fuentes:
https://depmusica.wikispaces.com/file/view/NACIONALISMO+MUSICAL.pdf
https://www.google.com.mx/url?sa=i&rct=j&q=&esrc=s&source=images&cd=&cad=rja&uact=8&ved=0ahUKEwj98bP_yNPPAhWFTCYKHX4lAVcQjRwIBw&url=http%3A%2F%2Fwww.monografias.com%2Ftrabajos6%2Fnamu%2Fnamu.shtml&psig=AFQjCNFc1jqdtnjuMQ6eqfvm7K32cf9OTw&ust=1476303428209116

Adornos musicales

Adornos musicales

Luz Zarate Bernal

Los adornos u ornamentos musicales son florituras que no son necesarias para llevar la línea general de la melodía (o armonía), pero que sirven para decorar esa línea. Se trata de recursos que pueden ser utilizados en las composiciones con el objeto de imprimirles a éstas expresión, ornamento, variedad, gracia o vivacidad. Muchos adornos se interpretan como "notas rápidas" en torno a una nota principal.

La improvisación de la ornamentación sobre una línea melódica dada fue una práctica común en la música clásica occidental durante el Renacimiento y el Barroco temprano.

Los ornamentos pueden indicarse mediante notas de adorno, que son notas escritas en tamaño más pequeño, con o sin una barra a través de ella y se colocan antes o después de la nota a la cual afectan. Su valor no cuenta como parte del valor del tiempo total del compás.

En sentido amplio los adornos en la música existen desde la época greco-romana. Su uso se encuentra también en el canto gregoriano y la música sacra de los siglos XI y XII, así como en la música asiática.^[

En un primer momento la incorporación de adornos se confiaba al intérprete, que se servía de signos y fórmulas convencionales. Desde el tratado de Silvestro Ganassi en 1535 contamos con instrucciones y ejemplos sobre cómo los músicos de Renacimiento y Barroco temprano adornaban su música con ornamentos improvisados. Un cantante, al interpretar un aria da capo, por ejemplo cantaba la melodía relativamente sin adornos la primera vez, mientras que la segunda vez introducía adornos adicionales. Una función esencial de la ornamentación temprana y barroca en la música para tecla era sostener las notas en instrumentos como el clavecín, el clavicordio o el virginal, que no podían mantener una nota larga de la misma forma que un órgano de tubos.

Durante el siglo XIX la ornamentación en la música fue cada vez más esporádica, como las apoyaturas que eran parte del ornamento vuelven a ser notas ordinarias incluidas de la melodía y la extensión de compás, pero no desaparece por completo. El uso del adorno como técnica de variación de la melodía, ampliamente presente en el Clasicismo, fue desapareciendo gradualmente debido a una nueva visión de las relaciones entre compositor, intérprete y pieza musical. Por otra parte, otras razones estéticas y acústicas relacionadas con el tamaño creciente de las salas de conciertos y teatros de ópera determinaban la escala de todos los instrumentos musicales y la técnica vocal hacia un mayor rango dinámico en detrimento de la agilidad y claridad de la articulación necesaria para ejecutar múltiples adornos.

Fuente:

Barjau, Eustaquio: «La música en los aledaños de la palabra: a propósito de la 'ornamentación musical'». Palabra y música, 2005, pp. 83-93.

https://es.wikipedia.org/wiki/Adorno_(m%C3%BAsica)

Formas musicales del romantisismo

Formas musicales del romanticismo

Luz Zarate Bernal

    

 
Preludio. Pieza en un solo tiempo, de corta duración y con características de virtuosismo, escrita principalmente para piano.

Bagatela. Composición corta para piano y sin ninguna pretensión.

Estudio. Obra breve de restringido material temático, en donde un motivo va adquiriendo cada vez mayor dificultad.

Impromptu. Obra no sujeta a ninguna norma y en la que el ejecutante tiene libertad de improvisación.

Nocturno. Composición de carácter apacible y sentimental con una delicada y expresiva línea melódica.

Lied. Canción culta, refinada, íntima y de sugerencias líricas.

Sinfonía y concierto. La sinfonía y el concierto se desarrollaron y se adaptaron a los ideales románticos.

El primer sinfonista romántico fue Beethoven. Los compositores románticos posteriores estuvieron influidos por el esquema formal que dio Beethoven a la sinfonía.

Música programática. Tuvo gran importancia este tipo de música sinfónica que pretende expresar una idea, historia, etc., y comunicarla al oyente por medio de un programa que sirve de argumento. La música programática dio origen al poema sinfónico.

Poema sinfónico. Obra orquestal de un solo movimiento en el que se desarrolla musicalmente un argumento. Es la gran forma romántica, que establece una unión entre la poesía y la música.

Por la actitud ante la sociedad y el mundo, Beethoven se convirtió en el modelo del movimiento romántico, que a la vez no dejaba de ser un modelo peligroso. Fue, ciertamente, la figura de éste la que proporcionó a la era romántica el paradigma para su concepto de "Artista". Esto no hizo desaparecer la idea que se tenía de "músico" que prestaba a la sociedad un servicio directo, es decir, el canto, organista de iglesia, cantante de coro, director de orquesta de teatro y un largo etcétera.

Fuente:

https://youtu.be/0S0_SpSvl9k

https://youtu.be/bOplY7DnllI

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Romanticismo#Formas_musicales_del_Romanticismo

Periodo romantico

Periodo romántico

Luz Zarate Bernal

fue un periodo que transcurrió, aproximadamente, entre principios de los años 1820 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las normas y formas de dicho período. El romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por el Clasicismo y seguido por el Impresionismo.


En la ópera se tendió a relajar, romper o mezclar entre sí, las formas establecidas en el barroco o el clasicismo. Este proceso alcanzó su apogeo con las óperas de Wagner, en las cuales las arias, coros, recitativos y piezas de conjunto


es un movimiento cultural originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo xviii como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Está considerado como el primer movimiento de cultura que cubrió el mapa completo de Europa



Literatura del romanticismo

Goethe en la campiña romana (1786), por Johann Heinrich Wilhelm Tischbein.


En la prosa, incluso el género didáctico pareció renovarse con la aparición del cuadro o artículo de costumbres. La prevalencia del individuo hace que empiecen a ponerse de moda las autobiografías, como las Memorias de ultratumba de François René de Chateaubriand. También surgió el género de la novela histórica y la novela gótica o de terror, así como la leyenda, y se prestó atención a géneros medievales como la balada y el romance. Empiezan a escribirse novelas de aventuras y folletines o novelas por entregas.


El término romántico, fue adaptado a las artes plásticas a principios del siglo XIX. Podríamos diferenciar tres etapas del Romanticismo en la pintura:

Fuente:

http://genesis.uag.mx/edmedia/material/tmusica/clase8.cfm

https://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo

https://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo#Literatura_del_romanticismo

Conciertos

Conciertos del parcial

Por: Luz Zarate Bernal

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Formas musicales del periodo clasico

Formas Musicales del periodo clásico

Luz Zarate Bernal

Sonata: Es una composición musical para uno o más instrumentos. Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una pieza musical completa, como un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento compositivo es conocido como forma sonata, el término sonata se utilizó con relativa libertad para describir obras reducidas de carácter instrumental, por oposición a la cantata, que incluía voces.


Cantata: es una composición vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio (Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri)


Ópera, drama en el cual se canta todo o parte del dialogo y que contiene oberturas, interludios y acompañamientos instrumentales. La palabra «opera» significa 'obras' en italiano (es el plural de la voz latina opus, obra o labor) sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico.

La ópera no iba a permanecer confinada a las audiencias cortesanas por mucho tiempo; sin embargo en 1637 la idea de una «temporada» (Carnaval) de óperas de «interés público», sostenida por la venta de boletos, surgió en Venecia. Monteverdi se había radicado allí, y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea, para el teatro veneciano en la década de 1640. Su principal seguidor, Francesco Cavalli, colaboró en la propagación de la ópera en Italia. En estas primeras óperas barrocas, la amplia comedia fue combinada con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, apareciendo el primero de varios movimientos reformistas de la ópera.

Ópera alemana: La primera ópera alemana fue Dafne, compuesta por Heinrich Schütz en 1627, cuya música se ha perdido. La ópera italiana continuó teniendo gran presencia e influencia sobre los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII.

Ópera francesa
Rivalizando con las producciones importadas de la ópera italiana, una tradición francesa aparte fue fundada por el italiano Jean-Baptiste Lully en la corte del Rey Luis XIV. Desafiando su origen extranjero, Lully estableció una Académie Royale de Musique (Academia Nacional de Música) y monopolizó la ópera francesa desde 1672. Comenzando con Cadmus et Hermione, Lully y su libretista Quinault crearon la “tragédie en musique”, una forma en la cual las música para danza y para coro fueron particularmente prominentes.

Concierto: composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta.

Fuente:

https://sites.google.com/site/adagioclasic/bienvenidos/la-musica-clasica-y-sus-formas-musicales
http://www.hagaselamusica.com.ar/img/galeria/img-115.jpg
https://youtu.be/maezrqgQVpE

Sonata Clasica

Sonata Clásica

Luz Zarate Bernal

Composición musical para uno o más instrumentos, el término sonata ha sido utilizado generalmente para las obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano (solista) o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado).

En los siglos XVI y XVII el término sonata, que aparecía con creciente frecuencia en los títulos de las obras instrumentales, significaba meramente pieza sonora instrumental distinguiéndose así de las composiciones vocales.

La sonata clásica: la forma más difundida de esta forma musical  es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o más instrumentos.

Durante el Clasicismo, los compositores hacen uso de formas musicales fijas, concretas y muy claras. Esto es lo que sucede con la forma sonata, la más extendida en esta época. Debes saber que “sonata” significa, en la etapa Clásica, dos cosas diferentes:

• FORMA SONATA: Forma musical ternaria que suele aparecer como primer movimiento (o primera parte) de gran número de obras musicales.

• SONATA: Pieza musical completa para uno o dos instrumentos formada por varios movimientos (varias partes); el primer movimiento casi siempre es una forma sonata.

EXPOSICIÓN


La forma sonata comienza con el primer tema (a) en la tonalidad principal (en la escala correspondiente -do, re, mi…). Esta primera melodía suele ser bastante rítmica para dar empuje a la pieza.

Terminado este primer tema, el compositor realiza lo que llamamos un “puente” (p) o enlace para conectar el primer tema (a) con el segundo (b). Este segundo tema tiene un carácter más melódico, y suele estar en otra tonalidad o escala diferente (normalmente a distancia de 5ª).

Cuando termina el segundo tema, la exposición se repite al completo.

DESARROLLO

El desarrollo es la parte más libre de la forma sonata. En esta sección el compositor utiliza las melodías que aparecen en los temas a y bcombinándolos, cambiándolos, recortándolos, mezclándolos, etc. para evolucionar hasta la siguiente sección. Las melodías suelen ir cambiando de tonalidad o escala todo el tiempo.

REEXPOSICIÓN

En ella se repite de nuevo toda la sección A, es decir, tema a – puente – tema b, con las siguientes diferencias:
No se repite dos veces
El tema b se interpreta, para terminar la pieza, en la tonalidad principal (en lugar de la secundaria).
Lo anterior provoca que suela haber una modificación en el puente.
Es muy habitual una CODA final, para dar mayor conclusividad.

Fuente:

http://www.monografias.com/trabajos/clasica/clasica.shtml
https://youtu.be/dGKzYv9Fz04

Concierto

Concierto

Luz Zarate Bernal

Un concierto es una actuación musical en que se ejecutan composiciones sueltas. En la música clásica occidental también es la forma musical en la que los materiales melódicos, rítmicos y armónicos se combinan en una composición, determinando así la cualidad sonora global de una pieza.

• Concierto clásico, romántico o virtuoso: Participan un instrumento solista, con gran capacidad expresiva y virtuosismo, que centra la atención del concierto
• Concierto en época moderna: Los conciertos de música popular, también llamados recitales, son una forma de presentar las nuevas bandas o las canciones de las bandas clásicas.

El concierto se había establecido en Italia a fines del siglo XVI, donde exponían diferentes tipos de instrumentales. Más tarde en el siglo XVII, los conciertos se extendieron hasta Lübeck, Alemania donde las veladas musicales continuaron hasta la década de 1620, extendiéndose de Alemania a Suiza. En Inglaterra ya existían numerosos conciertos a partir de 1640, organizados al principio en tabernas y habitaciones, donde se concretaban las sociedades musicales.

Los festivales de música son conciertos que involucran un mayor número de artistas, especialmente aquellos que duran varios días. A diferencia de otros conciertos, suele haber un solo género de la música o el trabajo de un artista en particular, los festivales suelen cubrir un amplio espectro de la música y las artes como por ejemplo los festivales al aire libre Debido a su tamaño.

Fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/Concierto

http://es.thefreedictionary.com/concierto
https://youtu.be/fGKnH5hW3hY

Familia Percuciones

Familia de Percusiones

Luz Zarate Bernal

La percusión se distingue por la variedad de timbres que es capaz de producir y por su facilidad de adaptación con otros instrumentos musicales. Cabe destacar que puede obtenerse una gran variedad de sonidos según las baquetas o mazos que se usan para golpear algunos de los instrumentos de percusión.

• De altura definida: Afinados, producen notas identificables
• De altura indefinida:  No afinados, producen notas no identificables

En las orquestas se suele diferenciar entre:

• Percusión de parche
• Percusión de láminas
• Pequeña percusión

También se les divide entre membranófonos, que utilizan una membrana tensada o un poco suelta, micrófonos, que añaden timbre al sonido del golpe, idiófonos, que suenan por sí mismos, como el triángulo, placófono: placas metálicas que entrechocan.

Estos instrumentos son aquéllos que suenan cuando el intérprete los golpea con la mano, varillas, baquetas, etc. El timbal, el xilófono, el bombo y los timbales son ejemplos de instrumentos de percusión

Se trata de un conjunto de instrumentos en el cual el sonido proviene de su propia materia, sin necesidad de cuerdas o membranas

Fuente:
http://www.doslourdes.net/MUSla_familia_de_la_percusion.htm
http://www.bing.com/videos/search?q=familia+de+percusiones&&view=detail&mid=729FDE05496A380228D6729FDE05496A380228D6&FORM=VRDGAR

Musica Clasica

Música Clásica

Luz Zarate Bernal

Va aproximadamente del siglo XI a la actualidad, las principales características del género fueron codificadas principalmente entre 1550 y 1900

La música clásica se divide en:

• Música antigua o medieval, que abarca el período comprendido por la Baja Edad Media en Europa (1000-1400)
• La música renacentista (1400-1600)
• La música barroca, que coincide con desarrollo del arte barroco (1600-1750)
• El clasicismo (1750-1800)
• El Romanticismo (1800-1910)
• Y la música contemporánea, que comprende las distintas corrientes de música clásica del siglo XX

Debido tanto a sus características técnicas, a la creciente profesionalización de la profesión de músico y compositor, y al contexto socio-cultural en el que se desarrolla (bajo el patronazgo de aristocracia, iglesia y burguesía), la música clásica es habitualmente definida como la música de tradición culta

El término música clásica aparece por primera vez a principios del siglo XIX, en un intento para destacar el período como una edad dorada de la música. En la actualidad está asociado a la tradición de música culta y académica descrita arriba, y es a veces sustituido por música culta o música académica para incidir en la existencia de música de corte.

Características:

Estas melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho compases (divididas en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis (tres mas tres).Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía. Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores, éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión; El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento. La música clásica tendrá como ideal el crear algo puramente bello, es decir, una música que no sirva a ninguna finalidad fuera de si misma, la norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al hombre como ser armónico y sin problemas.

Quizá algo trillados pero son de mis dos interpretes favoritos de música clásica mas contemporáneos

Compositores por niveles:

• Richard Wagner (1813-1883)
• Giussepe Verdi (1813-1901)
• Johannes Brahms (1833-1897)
• Igor Stravinski (1882-1971
• Claude Debussy (1862-1918)
• Franz Peter Schubert (1797-1828)
• Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)
• Ludwig van Beethoven (1770-1827)
• Johann Sebastian Bach (1685-1750)

 Johann Sebastian Bach

Fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_cl%C3%A1sica

https://sites.google.com/site/wqlamusicaclasica/caracteristicas
https://youtu.be/j30Jytow3dE
https://youtu.be/P6b_M12h9Ag

Formas musicales del barroco

Formas musicales del barroco

Luz Zarate Bernal

Cantata: Es una pieza musical escrita para una o mas voces solistas con acompañamiento musical, generalmente en ocasiones con un coro.

Cantatas religiosas

Las cantatas se crearon para ritos religiosos, tanto católicos (cantatas sacras) como protestantes. Esas cantatas tenían una parte oral muy consistente destinadas a ser cantadas por los feligreses. El gran maestro de la cantata religiosa fue Johann Sebastian Bach.

Cantatas profanas

En el Barroco también se cultivó la cantata profana o secular de origen italiano, que apareció como género en 1620 y que se consolidó a finales del siglo XVII. Alessandro Scarlatti compuso cantatas por medio de una sucesión de recitativos con tiempo rápido y arias da capo (que repetían el tema inicial en la última parte vocal, según la estructura A-B-A).

Entre los compositores que escribieron este tipo de obras destacan los italianos Alessandro Grandi, Barbara Strozzi, Alessandro Stradella, Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi y Giacomo Carissimi, y los alemanes Heinrich Schütz, Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Händel, Dietrich Buxtehude y Johann Sebastian Bach.

Sonata: Es el nombre dado a distintas formas musicales , empleadas desde el periodo barroco hasta las experiencias de música contemporánea. Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una pieza musical completa, como un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento compositivo es conocido como forma sonata.

La sonata clásica (1750 y 1810) la forma más difundida de esta forma musical, es una obra que consta de tres o cuatro movimientos, compuesta para uno, dos o tres instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las de cuatro movimientos.

Tocata: Es una pieza de música renacentista y música barroca para instrumentos de tecla, como el clave o el órgano, normalmente con una forma libre que en general enfatiza la destreza del intérprete, en Europa, toda iglesia solía tener un órgano para tocar en las pausas de la liturgia o tocar alternando con el canto. Estas melodías solían ser improvisaciones sobre las propias melodías gregorianas. Los organistas que tocaban en las iglesias practicaban con unos métodos de enseñanza para ejercitar la agilidad de sus dedos a través de escalas.

La tocata barroca es más seccional y tiene una mayor longitud, intensidad y virtuosismo que la renacentista, alcanzando niveles de extravagancia equivalentes a los abrumadores detalles vistos en la arquitectura de dicho período.

Bibliografía:
https://es.wikipedia.org/wiki/Tocata
https://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:G%C3%A9neros_y_formas_musicales_del_Barroco
https://youtu.be/NEKF08t3mW4
https://youtu.be/4Tr0otuiQuU
https://youtu.be/Pj-Zjt7GFTc

Familia de Instrumentos metales

Familia instrumentos metales

Luz Zarate Bernal

Los instrumentos de viento-metal son instrumentos musicales de viento compuestos por un tubo de metal (generalmente latón), que puede estar doblado o recto, una boquilla y una campana en el extremo opuesto a la boquilla.

Tienen sus orígenes en conductos sonoros fabricados en madera, bambú o caña que estaban provistos de una embocadura gruesa y abultada con un cuerpo de animal a modo de pabellón (que horrible).

Dentro de la familia de los instrumentos de viento metal existen dos grupos: los instrumentos de taladro cónico y los de taladro cilíndrico. En los primeros, el conducto del aire se ensancha gradualmente desde la embocadura hasta la campana. Estos instrumentos tienen sus antecesores en las caracolas marinas y los cuernos de los animales. Ejemplo de ellos es el shofár, un instrumento judío fabricado con el cuerno de un carnero y que aún es usado en las sinagogas.

La posición de los labios es fundamental a la hora de ejecutar una nota. Cuando la columna de aire atraviesa el tubo, produce una serie de notas llamada serie de armónicos naturales.

En los instrumentos de taladro cilíndrico, el conducto no se ensancha más que en el tudel del principio hasta unos centímetros antes de llegar a la campana y todos los tubos centrales que componen las bombas y los pasos entre los pistones son cilíndricos.

Debido a que el músico en un instrumento de viento-metal tiene el control directo sobre el vibrador principal (los labios), estos instrumentos pueden explotar la habilidad del músico para seleccionar el armónico al que la corriente de aire del instrumento vibra. Haciendo que el instrumento sea por lo menos el doble de largo que el equivalente en instrumentos de viento madera y empezando con el segundo armónico, los músicos pueden conseguir un rango de notas muy amplio simplemente variando la tensión de sus labios.

Fuente:
http://familiasdeinstrumentos.weebly.com/instrumentos-de-viento-metal.html
https://youtu.be/99OXnFXj-iU



Musica Barroca

Música Barroca

Luz Zarate Bernal

Abarca desde el nacimiento de la opera en el siglo XVII hasta la mitad del siglo XVIII, es una de las épocas musicales más largas e importantes de la música occidental, así como la más influyente.


Entre los músicos del Barroco destacan Johann Sebastian Bacch, Georg Friedrich Händel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Claudio Monteverdi, Jean-Philippe Rameau y Henry Purcell.


Principales características:

• La polarización de la textura hacia las voces extremas (aguda y grave). 
• La presencia obligatoria del bajo continuo
• El ritmo del propio bajo establece un compás claro y sencillo 
• El gusto por los fuertes contrastes sonoros

Estilos:

Francés: Es un estilo fuertemente conservador basado en formas de danza

Italiano: El estilo italiano, ejemplificado en Vivaldi, se caracterizaba por una tonalidad fuertemente marcada mediante escalas, cadencias y progresiones, la melodía al servicio de la armonía, las frecuentes modulaciones, el rápido ritmo armónico, sus formas abiertas (de frases asimétricas) y el uso libre de la improvisación.

Estilo surgido en plena lucha entre la Reforma luterana y la Contrarreforma católica, la música fue utilizada en el Barroco como medio de propaganda por las iglesias en competencia y por la alta nobleza, únicas instituciones (junto a algunas ciudades libres) capaces de mantener una capilla de músicos profesionales. La música se vuelve indispensable para cualquier actividad, por lo que el músico pasa a ser un sirviente más de los que acompañaban a los nobles. Producto de estos fines es, como en otras artes de la época, una estética expresiva y teatralizante: profusión en el uso de la ornamentación, dramatismo, uso de recursos para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, fuertes contrastes sonoros...

El Barroco temprano (1600-1650)

Este período es conocido como el seicento: alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un compositor de inusual talento, Claudio Monteverdi. Fue un maestro de los dos géneros entonces preponderantes: la prima prattica o el polifónico género madrigal y la seconda prattica o recitativo de la música vocal solista. Compuso una de sus obras de Calahorra más famosas, el "Lamento d'Arianna", tanto en versión polifónica como en versión para solista y bajo continuo. Monteverdi y Antonio Vivaldi fueron los dos compositores estudiados más asiduamente por Johann Sebastian Bach.

La seconda prattica, un subgénero de monodia acompañada, esto es, una o varias voces solistas y bajo continuo, caracteriza la música de este período.


El Barroco medio (1650-1700)

El Barroco medio es el lapso comprendido entre 1650 y 1700; en él sobresalían el compositor inglés Henry Purcell (1659 - 1695) y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel (1653 - 1706).


El Barroco tardío (1700-1750)

El Barroco tardío va entre 1700 y 1750 (aproximadamente) y sus compositores característicos son: en España Domenico Scarlatti, en Italia Antonio Vivaldi, en Inglaterra Georg Friedrich Händel, en Alemania Johann Sebastian Bach y en Francia Jean Philippe Rameau.

Fuente:http://www.aprendemusica.es/Musicas/3_ESO/UD3_Barroco.Latinoamerica/BARROCO_exeL/Barroco/msica_barroca1.html

https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_del_Barroco

Amadeus

Amadeus

Luz Zarate Bernal

Data una historia alterna de Mozart y una rivalidad con un hombre que no tiene valides histórica, este hombre vuelto loco afirma que mato a Mozart, y aun que te lo presentan como su enemigo  puedes apreciar que este hombre ve en Mozart lo que el deseaba haber sido cuando a rogado por tanto tiempo con tener ese talento mientras ve a Mozart crecer y crecer y a el seguir estancado.

Ambos comparten una gran pación por la música, y nos muestran a un Mozart eufórico y algo loco en mi opinión, me pareció muy interesante aun que no siguiera una biografia como tal, mientras la película a avanza puedes ver como Mozart va perdiendo su euforia y undiendose en sus problemas y deudas.

El mundo de las matematicas

El pato Donald en el mundo de las matemáticas

Luz Zarate Bernal

El primer tema que abordan es la sección aurea y las matemáticas en la música de como se partió de este para comenzar a hacer acordes, y la estrella que utilizaban como clave que incluía dentro de si la sección aurea y como esta se encuentra también en monumentos, estatuas y diversas construcciones.

Y no solo en esto en la misma naturaleza  como las flores , caracoles y plantas, también se puede ver en el billar el como se juega y que no es para nada un juego de asar.

Ya había visto esta película pero fue refrescante repetirla y el hecho de como todo es matemática es algo perturbador e impresionante.

Farinelli

Farinelli

Luz Zarate Bernal

La historia data sobre un niño y su hermano este hermano que dependía de las voz del mas pequeño para componer su música y siendo consiente de que este al crecer perdería s tono soprano decida tras drogarlo y mentirle y permitir que se convirtiera en un castrato.

Este niño crece entre mentiras y tristeza desando en los profundo de su ser como su deseo mas añorada el de convertirse en padre sin poder jamás lograrlo.

Su voz es primorosa y muy hermosa pero al mismo tiempo muy criticada y señalada de aberración a demás de que no se le va a este hombre una sola sonrisa o muestra de felicidad.

El conoce a una mujer con la se queda al final aun que el hijo que esta le dará no es exactamente de él.

Puedes apreciar la cultura y época de los castratos, y comprender que a el músico le pagaba el clero y las personas adineradas, los tomaban como si fuesen objetos.

Bajo Cifrado

Bajo Cifrado

Para Luz Zarate Bernal

A diferencia de el bajo continuo el bajo cifrado no es improvisado pero tienen cifrados similares, este  se origino en el barroco. ya que era costumbre de los compositores barrocos escribir la línea melódica del bajo, originado en el Barroco, a partir de un género y estilo musical determinado: el bajo continuo. Consiste en un sistema de representación mixto en que bajo una línea convencional de bajo se escriben cifras que representan los acordes que deben realizarse simultáneamente con dicha línea grave. Es decir, es un lenguaje de abreviaturas armónicas. La realización exacta de melodías intermedias proporcionadas por dichos acordes apuntados, se dejaba a la ejecución o inspiración del instrumentista (en muchas ocasiones, el director de la orquesta, al clave; o el maestro de capilla, al órgano).

Hay acordes también especiales para sobre tónica, donde el compositor crea la voz de bajo pero no especifica el contrapunto o los acordes  que deja a cargo del intérprete o interpretes.

En el periodo barroco, cuando tiene su florecimiento, y debido al propio estilo del bajo continuo, y su búsqueda de claridad y sencillez, se va logrando un hábil y efectivo esquematismo que elimina datos innecesarios (y aclara el camino para la posterior síntesis de la teoría).

Esta abreviatura acórdica se vio desde el primer momento favorecida por la enorme frecuencia de los acordes perfectos en ese momento histórico, lo que hizo posible presuponerlos cuando no hubiera cifra alguna, y originar así un sistema desarrollado de simplificaciones (estenográfico) de enorme concisión y eficacia, a la hora de esquematizar una armonía.

A partir del grado definido por el bajo (expresado por el pentagrama de la voz real), debajo de algunas o de todas las notas se escriben pequeños números (cifras) que indican los intervalos que forman las voces superiores con la nota del bajo, simultáneamente (por ejemplo, do-mi-sol se expresa con un 3 y un 5 debajo de la nota do en el bajo; do-mi-la, con un 3 y un 6;do-fa-la, con un 4 y un 6,etc.)

Fuente:

http://musica.fakiro.com/diccionario/bajo-cifrado.html

https://www.teoria.com/es/referencia/c/cif-barroco.php

Bajo continuo

Bajo Continuo

Por Luz Zarate Bernal

En el barroco y el renacimiento se necesitaba quien dirigiera al grupo de músicos, ya que no existía el director de orquesta se utilizó  el bajo continuo, este marcaba la rítmica para guiar a los demás instrumentos.

Puede ser interpretado por varios instrumentos como el teclado o el arpa e incluso también podía llegar a ser interpretada con la voz.

En el medievo era acompañado por un órgano de forma improvisada, un ejemplo de quien llego a utilizar esto fue Vivaldi

También se aplico en coros de cámara y orquestas.

Es una técnica de composición y ejecución propia y esencial del período barroco, que por ello suele ser denominado época del bajo continuo. Al emplear esta técnica, el compositor crea la voz de bajo pero no especifica el contrapunto o los acordes del ripieno, que deja a cargo del o los intérpretes. El bajo continuo puede contener ‘‘cifras‘‘ para guiar al ejecutante.

El bajo continuo tuvo su origen en ciertos métodos puestos en práctica en el siglo XVI, cuando algunas composiciones corales (como los motetes) eran acompañadas por el órgano a través de una técnica que consistía en improvisar los acordes que mejor se avenían a la armonía del conjunto.

Esta técnica llegó a su pleno desarrollo en los dos siglos siguientes y es característica del barroco, donde fue utilizado por los principales compositores como Bach, Händel o Vivaldi.

En la partitura del bajo, por ejemplo, el que toca el clave, solo aparece la línea del bajo (la que esta en clave de fa), mientras que con la ayuda de los números, el intérprete improvisa los acordes de arriba (recuerda que un acorde es la superposición de varias notas).

Fuente:

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ee/BuxWV_15-Bass_run.jpg/700px-BuxWV_15-Bass_run.jpg

Familia instrumentos de madera

Familia instrumentos de Madera

Por Luz Zarate Bernal

Actualmente los que antes eran instrumentos de madera actualmente son de metal, principalmente estas instrumentos de madera son instrumentos de viento.

Están las flautas abiertas y sin conductos

También se encuentra en los instrumentos de cuerda pero es mas mencionado en los de viento

La ventaja de la madera al producir un instrumentos ya que esta tiene cierta flexibilidad y maleabilidad incluso se ha llegado a utilizar en montañas rusas.

Las flautas producen sonido por una corriente de aire dirigida directamente a través del borde de un agujero en un tubo cilíndrico.

En flautas abiertas o sin conducto, como la flauta travesera o la flauta de pan, el músico sopla a través de un borde afilado que divide la corriente de aire. Esta división actúa sobre el aire contenido en la flauta causando que vibre y produzca el sonido.

En las flautas cerradas o con conducto, como la flauta dulce, el músico sopla a través de un conducto que actúa como canal para llevar el aire a un borde afilado, que como en las flautas abiertas causa que el aire se divida para producir el sonido.

Los instrumentos de viento- madera se dividen en:

Flauta traversa

Flautín

Flauta de Pan

Bansuri

Quena

Fuente:

http://www.banrepcultural.org/node/78513

https://es.wikipedia.org/wiki/Instrumento_de_viento-madera